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Âge romain ancien

カール・ブリューロフ（1799年12月12日 - 1852年6月11日）作「ポンペイ最後の日」

79年のヴェスヴィオ火山噴火

西暦62年2月5日、ポンペイを襲った激しい地震によりポンペイや他のカンパニア諸都市は大きな被害を受けた。町はすぐに以前より立派に再建されたが、その再建作業も完全には終わらない79年8月24日の午後1時頃にヴェスヴィオ火山が大噴火し、一昼夜に渡って火山灰が降り続けた。

翌25日（噴火から約12時間後）の噴火末期に火砕流が発生し、ポンペイ市は一瞬にして完全に地中に埋まった。降下火山灰はその後も続いた。軍人でもあった博物学者のガイウス・プリニウス・セクンドゥス（大プリニウス）は、ポンペイの市民を救助するために船で急行したが、煙（有毒火山ガス？）に巻かれて死んだことが甥のガイウス・プリニウス・カエキリウス・セクンドゥス（小プリニウス）による当時の記述から知られている。

当時、唯一の信頼できる記録は、小プリニウスが歴史家タキトゥスに宛てた手紙である。これによると、大プリニウスはヴェスヴィオ火山の山頂の火口付近から、松の木（イタリアカサマツ（英語版））のような形の暗い雲が山の斜面を急速に下り、海にまで雪崩れ込んだのを見たと記録している。火口から海までを覆ったこの雲は、現在では火砕流として知られる。これは火山が噴火したときに、高温ガスや灰や岩石が雪崩のように流れる現象である。プリニウスは爆発時に地震を感じ、地面は非常に揺れたと述べている。さらに灰がどんどん積もり、彼は村から逃げなければならなかったが、海の水がみるみる引いていった後に「津波」がおきた。ただし、当時のヨーロッパ人は津波 (Tsunami) という言葉を持っていなかったので、プリニウスの表現は違っている。プリニウスの記述には、太陽が爆発によって覆われてよく見えなかったと続き、大プリニウスはこの現象を調査するために船で再び陸に向かったが、窒息して死んだ。二酸化炭素中毒によるもの（訳者註:二酸化硫黄のことか?）と現在では考えられている。

噴火直後に当時のローマ皇帝ティトゥスはポンペイに使者を出すが、市は壊滅したあとだった。市民の多くが火砕流発生前にローマなどに逃げたが、これら一連の災害により、地震の前には2万人程度いたポンペイ市民の内、何らかの理由で街に留まった者の中から逃げ遅れた者約2千人が犠牲になった。

79年にウェスウィウス山(ヴェスヴィオ山)の大噴火でヘルクラネウムとポンペイの町が壊滅したとき、プリニウスはナポリの近くのミセヌムでローマ西部艦隊の司令長官の任についていた。火山現象をくわしく調査したいとの熱意と友人らを救出しなければという思いから、彼はナポリ湾をわたってスタビアエ（英語版）に上陸し死亡した。

小プリニウスの伝えるところによれば、プリニウスはスタビアエの町で休息していたが、火山性地震が激しくなったため、建物の倒壊を恐れて海岸へ避難した。避難者たちが海岸にいると、濃い煙と硫黄の臭いが立ち込めたため、人々は算を乱して逃げ出したが、プリニウスは動けずその場で倒れた。噴火が始まって三日目に収容された彼の遺体は眠るがごとくであったという。プリニウスの死因について小プリニウスは、喘息持ちであったため、煙で気管支がふさがれ窒息死したのだと記述する。しかし、硫黄臭や気管支の損傷についての記述は、硫化水素や二酸化硫黄などの火山ガスによる中毒死を強く示唆しており、現代の伝記ではプリニウスが有毒ガスで死んだと記述されることも極めて多いが、実際には史料からの憶測の域を出ない。

プリニウスは、歴史や科学に関する多数の著作をあらわした。騎兵による投げ槍の使用についての論著、甥である小プリニウスのために書いたと思われる、弁論家養成の3巻本、語形変化と活用について論じた8巻本、ゲルマニアでの戦争を記述した20巻の歴史書、そして41～71年のローマ史31巻などがあるが、いずれも現在では失われている。

プリニウスの著作で唯一現存しているのが、自然と芸術についての百科全書的な37巻の大著『博物誌』である。自然界の歴史を網羅する史上初の刊行物であった。ローマ皇帝ティトゥスへの献辞の中で彼自身がのべているように、この書物には、100人の著者によるおよそ2000巻の本（その大半は現在に伝わっていない）を参照し、そこからピックアップした2万の重要な事項が収録されている。メモや調査の記録は160冊にもなろうかという分量だった。最初の10巻は77年に発表され、残りは彼の死後おそらく小プリニウスによって公刊された。この百科全書は、膨大な参考文献表から始まり[1]、天文学、地理学、民族学、人類学、人体生理学、動物学、植物学、園芸、医学と医薬、鉱物学と冶金、美術にまでおよび、余談にも美術史上、貴重な話がふくまれている。直接見聞きしたものはほとんどなく、受け売りの論評と迷信がないまぜになった風変わりな書物である。約200枚の手書き原稿が現存している。[1]プリニウスの名前は8～9世紀の文献にも登場し、中世には『博物誌』が重視された。怪しげな情報を採用したり、科学の素養がないため間違いを犯している点もあるが、よく整理された知識が記載されており、古代研究の分野ではルネサンスまで『博物誌』が唯一の情報源であった。

Renaissance

Josquin Des Prez: Miserere mei Deus

The Hilliard Ensemble

Painting by Petrus Christus: The Lamentation

Perhaps a native of the Vermandois region of Picardy, he was a singer at Milan Cathedral in 1459, remaining there until December 1472. By July 1474 he was one of the 'cantori di capella' in the chapel of Galeazzo Maria Sforza. Between 1476 and 1504 he passed into the service of Cardinal Ascanio Sforza, whom he probably accompanied in Rome in 1484. His name first appears among the papal chapel choir in 1486 and recurs sporadically; he had left the choir by 1501. In this Italian period Josquin reached artistic maturity.

He then went to France (he may also have done so while at the papal chapel) and probably served Louis XII's court. Although he may have had connections with the Ferrara court (through the Sforzas) in the 1480s and 1490s, no formal relationship with the court is known before 1503 when, for a year, he was maestro di cappella there and the highest-paid singer in the chapel's history. There he probably wrote primarily masses and motets. An outbreak of plague in 1503 forced the court to leave Ferrara (Josquin's place was taken by Obrecht, who fell victim in 1505). He was in the north again, at Notre Dame at Condé, in 1504; he may have been connected with Margaret of Austria's court, 1508-11. He died in 1521. Several portraits survive, one attributed to Leonardo da Vinci.

Josquin's works gradually became known throughout western Europe and were regarded as models by many composers and theorists. Petrucci's three books of his masses (1502-14) reflect contemporary esteem, as does Attaingnant's collection of his chansons (1550). Several laments were written on his death (including Gombert's elegy Musae Jovis), and as late as 1554 Jacquet of Mantua paid him tribute in a motet. He was praised by 16th-century literary figures (including Castiglione and Rabelais) and was Martin Luther's favourite composer.

Josquin was the greatest composer of the high Renaissance, the most varied in invention and the most profound in expression. Much of his music cannot be dated. Generally, however, his first period (up to circa 1485) is characterized by abstract, melismatic counterpoint in the manner of Ockeghem and by tenuous relationships between words and music. The middle period (to circa 1505) saw the development and perfection of the technique of pervasive imitation based on word-generated motifs. This style has been seen as a synthesis of two traditions: the northem polyphony of Dufay, Busnois and Ockeghem, in which he presumably had his earliest training, and the more chordal, harmonically orientated practice of Italy. In the final period the relationship between word and note becomes even closer and there is increasing emphasis on declamation and rhetorical expression within a style of the utmost economy.

His many motets span all three periods. One of the earliest, the four-part Victimae paschali laudes (1502), exemplifies his early style, with its dense texture, lack of imitation, patches of stagnant rhythm and rudimentary treatment of dissonance. Greater maturity is shown in Planxit autem David, in which homophonic and freely imitative passages alternate, and in Absalon, fili mi, with its flexible combination of textures. His later motets, such as In principio erat verbum, combine motivic intensity and melodic succinctness with formal clarity; they are either freely composed, four-part settings of biblical texts, or large-scale cantus firmus pieces. Transparent textures and duet writing are common.

Josquin's 18 complete masses combine elements of cantus firmus, parody and paraphrase techniques. One of the earliest, L'ami Baudichon, is a cantus firmus mass on a simple dance formula; the simplicity of melody and rhythm and the clarity of harmony and texture recall the Burgundian style of the 1450s and 1460s. Fortuna desperata, on the other hand, is an early example of parody. Canonic writing and ostinato hgures are features. His last great masses, notably the Missa de beata virgine and the Missa 'Pange lingua' were preceded by works in which every resource is deployed with bravura.

Josquin's secular music comprises three settings of Italian texts and numerous chansons. One of the earliest, Cela sans plus, typifies his observance of the formes fixes and the influences of the Burgundian style of Busnois and Ockeghem. Later works, such as Mille regretz, are less canonic, the clear articulation of line and points of imitation achieved by a carefull balanced hierarchy of cadences. Some, like Si j'ay perdu mon ami, look forward to the popular 'Parisian' chanson of Janequin.

Baroque

グエルチーノの初期のスタイルはチェントのアンニーバレ・カラッチの影響を受けている。それが後期の作品となると、彼と同時代の巨匠グイド・レーニの作風に接近し、より明るく明瞭な絵を描くようになってゆく。ちなみに、生前グエルチーノは大変高い評価を受けていた。 

グエルチーノは絵を仕上げるのが異常なくらい早かったという。教会のために描いた巨大な祭壇画の数も106点はあり、それ以外の絵の合計もおよそ144点あった。1626年にはピアチェンツァ大聖堂にも複数のフレスコ画を描きはじめた。グエルチーノは1666年に亡くなるまで、絵を描き、教え続け、相当な財を成したといわれている。

Johann Sebastian Bach Goldberg Variations BWV 988,Pierre Hantai

ゴルトベルク変奏曲は、ヨハン・ゼバスティアン・バッハによるアリアとその変奏曲からなる2段の手鍵盤のチェンバロのための練習曲 (BWV 988)。全4巻からなる「クラヴィーア練習曲集」の第4巻であり、1742年に出版された。バッハ自身による表題は「2段鍵盤付きクラヴィチェンバロのためのアリアと種々の変奏」 (ドイツ語: Clavier Ubung bestehend in einer ARIA mit verschiedenen Veraenderungen vors Clavicimbal mit 2 Manualen) 。

「アリアと種々の変奏」と題されているが、バッハが音楽を手ほどきしたヨハン・ゴットリープ・ゴルトベルク(de:Johann Gottlieb Goldberg)が不眠症に悩むヘルマン・カール・フォン・カイザーリンク伯爵(de:Hermann Carl von Keyserlingk)のためにこの曲を演奏したという逸話から「ゴルトベルク変奏曲」の俗称で知られている。しかし演奏には高度な技術が必要で、当時ゴルトベルクは14歳の少年であったことなどから逸話については定かではない。

Rococo

語源

ロココとはロカイユ（rocaille）に由来する言葉である。ロカイユは岩の意味で、バロック時代の庭園に造られた洞窟（グロッタ）に見られる岩組のことであった。それが転じて、1730年代に流行していた、曲線を多用する繊細なインテリア装飾をロカイユ装飾（ロカイユ模様）と呼ぶようになった。ロカイユ装飾は、イタリアの貝殻装飾に由来すると考えられているが、植物の葉のような複雑な曲線を用いた特有のものである。

バロックとロココ

新古典主義の時代（18世紀末～）になると、前時代の装飾様式が退廃的であるとして蔑称的に使われたが、その後、時代一般の美術・文化の傾向を指す用語として、広く使われるようになった。ロココ様式（スタイル）、ロココ建築、ロココ趣味などと使う。豪壮・華麗なバロックに対して、優美・繊細なロココともいわれるが、両者の境界は必ずしも明確ではなく、ロココはバロックの一種と考える人もいる。

ロココの時代範囲

ルイ15世の愛妾で、才色兼備で知られたポンパドゥール夫人（1721年 - 1764年）を中心とする宮廷のサロン文化の最盛期にロココの華を見ることができる。ルイ15世の晩年の愛妾デュ・バリー夫人の時代でもロココ様式は維持されたものの、ルイ15世の孫ルイ16世（在位1774年 - 1792年）が即位する頃から、装飾を抑え直線と均衡を重んじるルイ16世様式（広義の新古典主義様式）に次第に取って代わられるようになる。しかし、ロココ的な美意識や雰囲気は、宮廷が実権を失う1789年のフランス革命まで継続したと見てよいであろう。

スウェーデンでは、1771年に即位したグスタフ3世の治世を「ロココの時代」と呼称されている。特に芸術や文化の面でロココの影響を受けて「グスタフ朝時代」と呼ばれる一時代を築いた（同時代のフランス文化の影響を受けて広義の新古典主義様式も見られた）。スウェーデンのロココ様式の時代は、1792年にグスタフ3世が暗殺されるまで継続した。

フランスでは、アカデミーのサロン（サロン・ド・パリとも呼ばれ1725年に第1回を開催）が定期的に開催されるようになり、美術品が広く鑑賞されるようになった。

アントワーヌ・ヴァトー、フランソワ・ブーシェ、ジャン・オノレ・フラゴナールなどの画家が知られている。それぞれヴァトーがロココ前期（1710-20年代）、ブーシェがロココ盛期（1730-50年代）、フラゴナールがロココ後期（1760-80年代）を代表する画家である。

ヴァトーが1717年にアカデミーに「シテール島への巡礼」を出品した際には「雅宴画（フェート・ギャラント）」の画家として承認された。なお1717年の「シテール島への巡礼」は現在ルーブル美術館にあり、それより数年後に描かれた別ヴァージョンはプロイセン国王フリードリヒ2世が1756年に購入して、ベルリンのシャルロッテンブルク宮殿に飾られている。

ヴァトー没後に「雅宴画」の画家として正式に認められた人物には他にジャン=バティスト・パテルやニコラ・ランクレがいる。優雅な男女が集い、恋の戯れや遊びに興じる「雅宴画」には、イタリア喜劇（コメディア・デラルテ）の配役（ジル、メズタン、アルルカン）も登場している。こうした演劇をモチーフにする絵画はヴァトーに先立つクロード・ジロによって先鞭がつけられたものである。

モーリス・カンタン・ド・ラ・トゥールが描いたポンパドゥール夫人（Madame de Pompadour)の肖像画が盛期ロココ時代の肖像画として有名である。なおこの肖像画が油彩ではなくパステルで描かれていることに注目できる。パステルの軽妙な色彩は多くの支持者を得、ラ・トゥールの好敵手とされたジャン・バティスタ・ペロノー、静物画で知られるジャン・シメオン・シャルダン、スイス生まれでトルコに赴いてその地の風俗を記録したジャン・エティエンヌ・リオタールもパステルで優作を残している。

サロンでの展示に対し美術批評がなされるようになったのもこの時代のことである。哲学者でもあるディドロはその批評で軽佻浮薄で官能的な刺激の強いブーシェやジャン＝マルク・ナティエの作品を批判している。対して感傷的ではあるものの道徳的な教訓が強いグルーズの作品や、静物画や風俗画で活躍したシャルダンの質実な作品には好意的な評価を下している。

「女性の時代」とも呼ばれる18世紀のロココ時代には、1783年にはフランス王立アカデミーに二人の女性が入会を認められた。アデライド・ラビーユ＝ギアールとエリザベート＝ルイーズ・ヴィジェ＝ルブランである。特にヴィジェ＝ルブランは、王妃マリー・アントワネットの肖像画家としても知られ、そのよき理解者でもあった。宮廷の崩壊に立ち会ったという意味ではロココ最後の画家と言ってもよいだろう。

これらは、いずれもラ・トゥールの自画像ですが、素顔のラ・トゥールから、ウィッグをつけたラ・トゥールまで、丹念に描いています。

じつは、この時代、フランスではウィッグが大流行でした。ウィッグそのものは、紀元前4000年とも6000年ともいわれていますが、ギリシャの自然主義の時代を除いて、ローマ時代まで位の高い社会ではウィッグをつけるのが常識とまでいわれていたようです。

ただ、キリスト教が広まるにつれてその習慣は廃れていったようです。なにしろ、宗教会議の決議で「人工の髪を用いるなどをする者には、破門を申し渡す」と定められたいうのですから、無理もないことでしょう。

その後、イングランド王のヘンリー1世自身の装着から始まり、13世紀末になると、フランスでウィッグ師という職業ができ、16世紀後半、アンリ2世の王妃カトリーヌ・ド・メディチとアンリ3世によって、ウィッグが流行するようになります。ウィッグが本格的に流行したのは、17世紀前半、フランスのルイ13世の時代からです。

1746年　パステル肖像画家として王立絵画・彫刻アカデミーの会員となる。その後も代表作となる『ポンパドゥール夫人の肖像』を始めとし、名だたる上流階級の人々の肖像画を手がけ画家として確固たる地位と圧倒的な人気を得るものの、年を重ねるごとに精神を病んでしまい、晩年期頃には完成した作品へさらに手を加え作品を台無しにしてしまうなど奇行が目立つようになる。

1788年　パリで死去。気難しく短気な性格と伝えられたモーリス・カンタン・ド・ラ・トゥールではあったが、画家の手がけたパステルによる数多くの肖像画は、現在もロココ様式を代表する絵画作品として広く認知されている。 

作品集は、こちら。

 Baroque and Rococo in Music

In the theory of Baroque much still remains to be explained. Understood in a certain way, Rococo music has completely disappeared. The relation between Baroque music and the Counter-Reformation remains uncertain. Finally, the role of the audience has not been sufficiently investigated. We should study in detail the relation between music and social life. First of all, we have to confront the delimitation of artistic movements with the periodization of history. In the course of history we can distinguish the "organic" periods from the "critical" ones (or, to put it more clearly, the periods of the constitution of institutions and norms from the periods of contradictions), which are mixed with the "classical" periods and the late periods (Spätzeit) in mediaeval art. After the year 1600 there are still periods of constitution. They are less "organic", but yet have some features of integration. One of those periods belongs to the last feudal epoch, characterized by the suppression of freedom for non-feudal strata and established in some countries which had no remarkable transoceanic trade. If the development of such countries brought a strengthening of a sovereign's power, to the period of constitution should be added two additional periods: the middle period (bureaucratic centralism, classicism) and the period of transition. If there was no centralism, there were no additional periods either. In that case, the period of the deep decadence of feudalism (Rococo) immediately followed the period of constitution. Thus, the times favourable for the development of Baroque were from 1610 to 1660, but Rococo began in 1715 (the Regency). Similarly, Baroque in Austria extends over the period 1650-1740, but it was only in 1780 that Rococo triumphed. On the contrary, the end of Baroque in Italy and in Western Germany opened the door to Rococo as early as 1730. Baroque brought together Church tendencies and feudal reaction, but it did not resolve the antithesis of homophony - polyphony, a legacy of the High Renaissance (Spätrenaissance). The middle period, characterized by the reform of the opera (Lully, Gluck), did not make any progress in this matter. It was during the Rococo period that instrumental style changed into homophony. This change occurred first of all in music for harpsichord (François Couperin, Alberti), and later in the trio and the symphony (J. V. Stamitz). Joseph Haydn developed polyphony in his quartets and symphonies until the period 1770-1780. In his sonatas he accepted the homophonic style but he tended towards the monothematic. Sonata form with a thematic contrast originated from the Rococo phase. The concept of classicism should be revised.

Ouverture de "La Grotte de Versailles" (Harpsichord) - Jean-Baptiste Lully

Jean-Philippe Rameau Complete Cembalo Works,Scott Ross

Francois Couperin I Book of Harpsichord Works,Olivier Baumont

Classique

Beethoven: Violin Sonata No. 1 (1797) 

Ludwig van Beethoven (1770-1827)

Violin Sonata No. 1 in D major, Op. 12-1

Ⅰ Allegro con brio

ⅡTema con variazioni: Andante con moto

Ⅲ Rondo: Allegro

Fritz Kreisler, Violin Franz Ruppo, Piano

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ベートーヴェンのヴァイオリン・ソナタ

佐藤康則 解説（2011年）より抄出

Ⅰ「ヴァイオリンの助奏を持つピアノのためのソナタ」から「ヴァイオリン・ソナタ」へ

　モーツァルトの時代には、今日「ヴァイオリン・ソナタ」と呼ばれているもののほとんどは、鍵盤楽器にヴァイオリンの助奏が付いた程度のものだった。ヴァイオリニストとピアニストが対等の立場で音楽を作り上げていくのが当たり前のこととなったのは、古典派からロマン派へと時代が移り行く中で、多くの作曲家が人間精神の営みをより深く表現しようと不断の努力を続けた結果である。もちろんそれは、ベートーヴェンが人生を賭けて取り組んだ課題でもあった。

Ⅱ　作品12の3曲 『第1番 ニ長調』（op.12-1）、『第2番 イ長調』（op.12-2）、『第3番 変ホ長調』（op.12-3）

　この3曲は1797年から98年にかけて作曲され、当時ウィーンの宮廷作曲家、宮廷楽長として名声を欲しいままにし、ベートーヴェンを始めとする19世紀の作曲家にイタリアオペラの書法を伝えて大きな影響を与えた、アントニオ・サリエリ（1750～1825）に捧げられている。

　3曲とも、急（ソナタ形式）－緩（三部形式）－急（ロンド形式）というウィーン古典派の伝統に忠実な構成を取っており、モーツァルトの影響が顕著である。

『第2番 イ長調』（op.12-2）

　最初に作曲されたのは、おそらく『第2番』のソナタだろう。3曲の中ではもっとも習作的な要素が大きく、主題の構成もよく言えば若々しいが、他の2作に比べて平凡で迫力に欠けるのは否めない。だが第1楽章、第1主題の生気溢れる響きは魅力的だ。

『第1番 ニ長調』（op.12-1）

　『第1番』は、『第2番』に比べると著しく「ベートーヴェン的」だ。第1楽章のヴァイオリンとピアノの力強い同音で始まる第１主題からして、いかにもベートーヴェンの音楽らしい響きだ。第2楽章の変奏曲の構成も巧妙で、対位法的手法と相まって完成度は格段に高い。ヴァイオリンの扱いはまだぎこちないが、同時期に作曲された『ピアノ・ソナタ第8番《悲愴》』（op.13）と比べてもなんら遜色がない出来栄えだ。

『第3番 変ホ長調』（op.12-3）

　『第3番』になると、構成はさらに一段と大きくなる。主題の対比も巧みで表現の幅も広がり、わずか数年間のベートーヴェンの作曲技法の進歩の大きさに驚かされる。変ホ長調という調性は《皇帝》や《英雄》と同じだが、ヴァイオリンにとって決してやさしい調性ではない。しかしそれだけに、柔らかな含みのある響きが生まれ、豊かな感情表現が可能になっている。人間には誰でも飛躍の年というものがあるが、彼にとって1797年から99年にかけての数年がそれに当たるのだろう。1800年にはいよいよ『交響曲第１番』（op.21）が作曲される。そして耳の病気を自覚するのもこの頃である。色々な意味でこの曲は、作曲家としてのベートーヴェンにとって一つの転換点となった作品だ。

Ⅲ　作品23と24のペア 『第4番 イ短調』（op.23）、『第5番 へ長調』（op.24）

　当初この2作品は、op.23-1、op.23-2と名づけられていた。2曲とも1801年に出版され、当時のウィーンでもっとも有名な音楽愛好家であり、ベートーヴェンの庇護者でもあった、モーリッツ・フォン・フリース伯爵に献呈されている。『ピアノ・ソナタ第14番《月光》』（op.27-2）が作曲されたのとほぼ同時期だ。この頃、彼の耳はますます悪くなっており、1802年10月6日には有名な「ハイリゲンシュタットの遺書」が書かれることになる。

『第4番 イ短調』（op.23）

　『第4番』では、それ以前の作品と比べてますますベートーヴェンらしさが表に出てくる。モーツァルトやハイドンの影響からほぼ抜け出し、ヴァイオリンの技術的な扱いにも慣れ、展開部の作曲技法の進歩とも相まって、より幅の広い感情表現が可能になってきたのだ。この曲は他人の模倣から完全に離れて彼独自の音楽を創り出していく、言わば出発点となった作品である。やり場のない怒りをぶつけるかのような第1楽章の第1主題、第2楽章のユーモラスな展開と第3楽章の悲劇的な色調のコントラスト。当時のベートーヴェンの鬱屈した不安定な心理状態をうかがい知ることのできる作品である。

『第5番 へ長調』（op.24）

　『第5番』のソナタは、《春》という名前の由来ともなっている初々しい第1楽章のテーマを始めとして、全編軽やかで美しいメロディが散りばめられ、ベートーヴェンの持って生まれたメロディ・メーカーとしての才能が遺憾なく発揮されている。『第4番』よりかなり早い時期に構想されたと言われているが、曲の構成も3楽章から4楽章へと拡大され、洗練された展開部の扱いとも相まって、見事な統一感を感じさせる作品となっている。《春》というタイトルは彼の死後に付けられたものだが、この曲を聴く者なら誰しも感じるであろう、新緑の鮮やかさや頬を撫でる春風の心地よさがよく表現されたネーミングだと言えよう。

Ⅳ　作品30の3曲 『第6番 イ長調』（op.30-1）、『第7番 ハ短調』（op.30-2）、『第8番 ト長調』（op.30-3）

　この3曲の作曲年代は正確にはわかっていないが、一般的には1802年と言われている。『ピアノ・ソナタ第17番《テンペスト》』（op.31）、『交響曲第2番』（op.36）が書かれた年でもある。3曲ともロシア皇帝アレキサンダーⅠ世に捧げられているが、献呈時には代金を払ってもらえず、12年後にウィーンを訪れた皇后エリーザベトが代金の30デュカーテンを支払ったという話は有名だ。

『第6番 イ長調』（op.30-1）

　『第6番』は、しっとりと落ち着いた楽想が印象的だ。隠れたファンの多い曲である。『第7番』や『第8番』と比べると、起伏に乏しく感じられるためか演奏される機会は少ないが、優れたヴァイオリニストの手にかかると、滋味に富んだ充実感が味わえる。

　『第5番』が春の爽やかな陽光や新緑を感じさせるとすれば、『第6番』が表現しているのは、秋の穏やかな木漏れ日や紅葉だ。なお、当初第3楽章には、現在『第9番《クロイツェル》』に使われている華やかな「プレスト」が使われる予定だったが、第1、第2楽章とのバランスを考え、今の変奏曲に差し替えたと言われている。

『第7番 ハ短調』（op.30-2）

　この曲は『交響曲第5番《運命》』（op.67）や『ピアノ・ソナタ第8番《悲愴》』と同じく、ベートーヴェンにとって運命的な「ハ短調」で書かれている。内面の葛藤やヒロイックな感情の起伏がモザイクのように組み合わされた、いかにもベートーヴェンらしい悲痛さと雄大さを併せ持つ堂々たる作品だ。「ハ短調」の作品に傑作が多いのは、彼の激しい気質がこの調性と合っているからだろう。

『第8番 ト長調』（op.30-3）

　『第8番』は、『第7番』とはまさに対照的な、明るくそして愛らしい作品だ。演奏時間も『第7番』の三分の二程度で、ちょうど『交響曲第7番』と『第8番』の関係に似ている。ベートーヴェンというと、いつもしかめ面をして深刻ぶっているような印象があるが、彼にはこういう一面があることも頭に入れておく必要があるだろう。耳の病気のせいで作曲という行為が大きなストレスだったことは事実だろうし、もともと感情の起伏が激しかったことも事実だが、類まれな構成力と努力を継続できる粘り強さにプラスして、溢れんばかりの豊かな楽想を持った天才だったのだ。肩の力を抜いて作曲したこの作品のシンプルな美しさは、音楽を聴く本質的な喜びを味わうことができるという意味でとても貴重だ。何の衒いもなく、聴く者の心の奥底にストレートに入り込んでくる澄み切った美しさは、後のロマン派の作曲家たちからは決して得られないものだ。

Ⅴ　作品47

『第9番 イ長調《クロイツェル》』

　《クロイツェル・ソナタ》は、ベートーヴェンのヴァイオリン・ソナタの最高傑作というだけでなく、古今東西のヴァイオリン・ソナタの中でも特別の価値を持つ作品だ。出版されたのは1805年だが、彼はこの頃、『交響曲第3番《英雄》』（op.55）、『ピアノ・ソナタ第21番《ワルトシュタイン》』（op.53）、『ピアノ・ソナタ第23番《熱情》』（op.57）といった傑作を次々と世に送り出しており、独自の様式を確立し、作曲家としてもっとも脂の乗り切った時期であった。この曲は彼自身、「ほとんど協奏曲のように……」と書き記しているだけあって、華麗な演奏効果、ダイナミックな曲想、典雅な美しさを併せ持った雄大なスケールの作品となっている。特に第1楽章の冒頭、ヴァイオリンが決然と重音をソロで弾き出す部分からは、この曲に賭けるベートーヴェンの強い思いがひしひしと伝わってくる。もともとは、イギリスのヴァイオリニストで黒人の父とポーランド人の母を持つジョージ・ブリッジタワーのために作曲され、1803年5月24日、ウィーンでベートーヴェン自身がピアノを弾いて初演されたが、なぜか当時盛名のあったヴァイオリニスト、ロドルフ・クロイツェル（1766～1831）に献呈されている。しかしクロイツェルは、この曲をとうとう一度も演奏しなかったと言われている。

Ⅵ　作品96

『第10番 ト長調』

　この最後のソナタを、ベートーヴェンがフランスの名ヴァイオリニスト、ピエール・ロード（1744～1830）のウィーン訪問に合わせて作曲したのは、1812年、《クロイツェル》の作曲から9年後のことである。これは『交響曲第7番』（op.92）、『第8番』（op.93）が作曲された年だ。初演時にピアノを受け持った、彼の生徒にして友人、かつパトロンでもあったルドルフ大公に献呈されている。しばしば「田園的」と形容されるように、穏やかで満ち足りた午後の日差しを思わせる曲だが、第4楽章の変奏曲では主題に捉われない即興の妙が、後期の『弦楽四重奏曲』にも通じる幻想的な味わいを生み出している。

　演奏される機会は少ないが、ベートーヴェンの音楽を考える上で貴重な示唆を与えてくれる曲である。

Carlos Kleiber Beethoven Symphonies 7

Concergebouw Orchestra

Ludwig van Beethoven Symphony No 7 in A major, Op 92

Ⅰ. Poco sostenuto -- Vivace

Ⅱ. Allegretto

Ⅲ. Presto -- Assai meno presto (trio)

Ⅳ. Allegro con brio

作曲は1811年から1812年にかけて行われ、初演は、1813年12月8日、ウィーンにて、ベートーヴェン自身の指揮で行われた。

ベートーヴェンの交響曲中でも最もリズミカルな作品である。

第5番や第6番におけるさまざまな新たな試みの後に、再び正統的な手法による交響曲に回帰した作品である。

Romantique

「ロマン」の語源

　ローマ帝国時代のラテン語には文語としての古典ラテン語と口語としての俗ラテン語が存在したが、その差はさほど大きくなかった。衰退期にはいると文語と口語の差は徐々に広がってゆく。やがて、一つの言語の変種とはもはや呼べないほどにまでその違いは大きくなり、古典ラテン語の知識のない庶民には、もはや理解困難なほどにまでなる。その時代の口語をロマンス語と呼んだ。そのロマンス語で書かれた文学作品が、ロマンスと呼ばれるようになり、ギリシャ・ローマの古典文学の対立概念とされるようになった。ロマン主義（ロマンティシズム）の語源は、ここにある。ロマン主義の「ロマン」とは、「ローマ帝国の（支配階級、知識階級ではなく）庶民の文化に端を発する」という意味である。

　とくに、文学では「ロマンティーク (romantique)」という言葉を、フランスのルソー（『孤独な散歩者の夢想』）が初めて使ったといわれている。

同 世 代 の 人々

Modernisme

Gabriel Urbain Fauré(1845～1924)

Gabriel Urbain Fauré was a French composer, organist, pianist and teacher. He was one of the foremost French composers of his generation, and his musical style influenced many 20th-century composers. Among his best-known works are his Pavane, Requiem, nocturnes for piano and the songs "Après un rêve" and "Clair de lune". Although his best-known and most accessible compositions are generally his earlier ones, Fauré composed many of his most highly regarded works in his later years, in a more harmonically and melodically complex style.

Pavane in F-sharp Minor, Opus 50

Slovak Radio Symphony Orchestra

Keith Clark (regency)

Image by John Singer Sargent, 1889

印象派　その前と後

Joseph Mallord William Turner（1775年4月23日 - 1851年12月19日）　『ノラムの城の日の出』（left）

イギリスのロマン主義の画家

1775年、ロンドンのコヴェント・ガーデンに理髪師の子として生まれる。

ターナーにとって転機となったのは1819年、44歳の時のイタリア旅行であった。ルネサンス期以来、長らく西洋美術の中心地であったイタリアへ行くことはイギリスのような北方の国の画家たちにとってのあこがれであり、ターナーもその例外ではなかった。イタリアの明るい陽光と色彩に魅せられたターナーは特にヴェネツィアの街をこよなく愛し、その後も何度もこの街を訪れ多くのスケッチを残している。イタリア旅行後の作品は画面における大気と光の効果を追求することに主眼がおかれ、そのためにしばしば描かれている事物の形態はあいまいになりほとんど抽象に近づいている作品もある[要出典]。このようにターナーは油彩画の大作を発表するかたわら、フランス、スイス、イタリアなどヨーロッパ各地を旅行して多数の風景写生のスケッチも残した。

1842年に制作された『吹雪-港の沖合の蒸気船』では蒸気船はぼんやりとした塊に過ぎず巨大な波、水しぶき、吹雪といった自然の巨大なエネルギーを描き出している。印象派を30年も先取りした先駆的な作品であったが、発表当時は石鹸水と水漆喰で描かれたなどと酷評された。この作品を制作するためにジョゼフはマストに4時間も縛りつけられ、嵐を観察したという逸話が残っている。

生涯を通じて5回ほどの画風の転換があったと言われる。

第一期は、主題が中心に描かれた風景画の時代、

第二期は風景の中心に広い空間が開けてくる時代、

第三期は開けた空間に光が現れた時代、

第四期はその光の中に何らかの姿が描かれた時代、

そして最後は風景全体が光で満たされた画風である。

ターナーは手元にあった主要作品をすべて国家に遺贈したため、彼の作品の多くはロンドンのナショナルギャラリーやテート・ギャラリーで見られる。

Claude Monet（1840年11月14日 - 1926年12月5日）『印象・日の出』（right）

印象派を代表するフランスの画家

「光の画家」の別称があり、時間や季節とともに移りゆく光と色彩の変化を生涯にわたり追求した画家であった。モネは印象派グループの画家のなかでは最も長生きし、20世紀に入っても『睡蓮』の連作をはじめ多数の作品を残している。ルノワール、セザンヌ、ゴーギャンらはやがて印象派の技法を離れて独自の道を進み、マネ、ドガらはもともと印象派とは気質の違う画家だったが、モネは終生印象主義の技法を追求し続けた、もっとも典型的な印象派の画家であった。

フルネームは当初オスカル・クロード・モネ（Oscar Claude Monet）であったが、本人がオスカルの名を好まなかったため、通常は「クロード・モネ」と名乗っていた。

1873年12月には、仲間の画家ピサロ、シスレー、ルノワールらと「芸術家、画家、彫刻家、版画家その他による匿名協会」を結成。1874年4月 - 5月にはパリ、キャピュシーヌ大通りの写真家ナダールのアトリエでこの「匿名協会」の第1回展が開催された。後に「第1回印象派展」と呼ばれる、歴史的展覧会である。この第1回展にモネは油絵5点、パステル7点を出品。出品作のうち、『印象・日の出』（1873年）は、「印象派」という名称の由来となったことでよく知られている。

Pendant l'Art nouvel et l'art déco

　都市の風景が直線でできているのに、一種の憧れと違和感がずっとある。人間の歴史が、仮に10万年として、そのほとんどの時間、人は、直線を目にしないで生きてきたのだと思う。

　歴史的な建築物にしても、よく見たら、素材が石でも、煉瓦でも、木材でも、直線なりにゆるやかなものになっている。きっと昔は、いまの時代によくあるような、数学的で正確そうな直線には、憧れていたのだろう。　

    ともかく、きりっとエッジの立った直線が、人間の環境のなかで当たり前のようになったのは、近代の機械文明の社会が完成してからにちがいない。

　そう考えると、直線ばかりが目に入ってくる社会というものの歴史は、せいぜい、どう多く見積もっても200年に満たないということだ。

　つまり、いまの時代の都市のなかで、これほど直線ばかり見ている人間というのは、身に合ってない景色を、無理やりに、受けいれさせられて暮らしているとも言えるのではないか。

　長いこと人間が親しんできた環境のイメージは、これほど直線的だったわけじゃない。

　頭では「それがどうした」と考えられても、身体が、直線ばかりの景色を「へんだな」と 感じている

のではないか。これから、直線的でないものが、もっとほしがられようになる。そんな予感がする。

　かつて、アール・ヌーヴォー（フランス語: Art Nouveau）という国際的な美術運動が19世紀末から20世紀初頭にかけてヨーロッパを中心に開花した。この言葉は、「新しい芸術」を意味する。花や植物などの有機的なモチーフや自由曲線の組み合わせによる従来の様式に囚われない装飾性や、鉄やガラスといった当時の新素材の利用などが特徴であった。分野としては建築、工芸品、グラフィックデザインなど多岐に亘った。

　アール・ヌーヴォーという言葉はパリの美術商、サミュエル・ビングの店の名前から一般化した。この言葉で狭義にベル・エポックのフランスの装飾美術を指す場合と、広義にアーツ・アンド・クラフツ（イギリスのウィリアム・モリスによって提唱）以降、世紀末美術、ガウディの建築までを含めた各国の傾向を総称する場合とがある。国によって次のようにも呼ばれているが、これらの様式の大部分にはそれほど大きな違いはない。

・　「ティファニー」（アメリカ合衆国　ルイス・カムフォート・ティファニーの名による）

・　「ユーゲント・シュティール（ドイツ　雑誌『ユーゲント』から）

・　「ウィーン分離派」（オーストリア）　

・　「ネーウェ・クンスト」（オランダ）

・　「スティレ・リベルティ」（イタリア。リバティ百貨店から）

・　「モデルニスモ」（スペイン）

・　「スティル・サパン」（スイス）

・　「スティル・モデルヌ」（ロシア）

・　「モダン・スタイル」（イギリス）など。

　フランスでは、アール・ヌーヴォーは批判者からは、特徴的なアラベスクなフォルムから「ヌイユ様式」（麺類様式）、またエクトール・ギマールにより1900年に実現されたパリ地下鉄のこの様式の出入口から「メトロ様式」などとも呼ばれた。

　アール・ヌーヴォーの理論的先駆はヴィクトリア朝イギリスのアーツ・アンド・クラフツ運動に求められる。ウィリアム・モリスやジョン・ラスキンらは、工業化の進行とそれによる創造性の枯渇を厭い、社会の再生は、人々の周りにあり人々が使うもののフォルムの真正性によってしか成されないのであるとして、中世のギルドの精神、自然界のモチーフの研究、洗練されたフォルムへの回帰を強く勧めた。

　フランスでは、この意図は多少なりともモラリスト的で、より合理的なものとなった。ウジェーヌ・エマニュエル・ヴィオレ・ル・デュクは現代的な素材（特に鉄）を拒絶せず、中世のゴシック建築の構造と同様に逆にそれに装飾的・美的な機能を与えて誇示した。一連のネオ・ゴシック運動の先導者として知られていたにも関わらず、ヴィオレ・ル・デュクは数々のアール・ヌーヴォーの建築家にも影響を与えた。ロックタイヤード城のフレスコ画(1859)を含む彼の諸作品はネオ・ゴシック運動とアール・ヌーヴォーのとても強い繋がりを感じさせる。

　1893年にヴィクトール・オルタがブリュッセルに建設したタッセル邸がアール・ヌーヴォー様式の最初の建築物であると見做されている。そこではヴィオレ・ル・デュクの流れを完璧に酌んで、金物、モザイク、壁画、ステンドグラスといった構造的であると同時に装飾的でもある要素を取り囲む植物的な曲線が空間のなめらかな流れと響き合っている。

　ところで、「アール・ヌーヴォー」という言葉は1894年にベルギーの雑誌L'Art moderne(現代美術)においてアンリ・ヴァン・デ・ヴェルデの芸術作品を形容する言葉としてエドモン・ピカールが初めて用いた。この言葉はフランスに伝わり、1895年12月26日、パリのプロヴァンス通り22番地に美術商サミュエル・ビングの店「メゾン・ド・ラール・ヌーヴォー」（仏: Maison de l'Art Nouveau）の看板として登場した。ここではヴァン・デ・ヴェルデの他、エドヴァルド・ムンク、オーギュスト・ロダン、ルイス・カムフォート・ティファニー、アンリ・ド・トゥールーズ＝ロートレックなど、多数の象徴派とアール・ヌーヴォーの旗手たちの展示が行われた。エクトール・ギマールは彼らとは別の孤独な道を行き、「ギマール様式」と呼ばれる彼独自の世界を作り出し、多作かつ隔絶した才能であったと見做されている。

　フランスのアール・ヌーヴォーの最も見事な総体が構成されたのはナンシーである。1870年のアルザスとモゼルの併合の後、ドイツの支配の下に留まることを望まなかった多数の併合ロレーヌ地方の住民は仏領ロレーヌに移住した。ここでアール・ヌーヴォーは地方主義要求の表現手段となり、エミール・ガレ、ドーム兄弟、ジャック・グリューバーらがナンシー派を形成した。

　1900年のパリ万国博覧会でビングは現代的な家具、タペストリー、芸術的オブジェなどを色とデザインの両面でコーディネートしたインスタレーション展示を行った。これらの装飾的なディスプレイはこの様式と非常に強く結び付いていたので、結果としてビングの店の名前「アール・ヌーヴォー」が様式全体を指すようになった。他方で彼らの真正の作品は、彼ら自身が流行の成功によって飲み込まれ、はびこる粗製濫造の装飾品はアール・ヌーヴォーの記憶を長きに亘り汚すことにもなる。

　アール・ヌーヴォーは、格式ばった歴史主義とは異なった提案をするために、象牙の塔から出て、日用品の装飾を引き受けて芸術家たちの営みともなった。

　このことから、木や石のような古くからの素材が鋼やガラスのような新しい素材と組み合わされ作品を形作っていった。芸術家たちはそれぞれの素材から最良のものを引き出すために、極限まで探求を推し進めた。多層のパート・ド・ヴェール（ガラス工芸の一種）、金物工芸の組み合わせ模様を施した階段の手すり、うねりのある木の家具などは、自然界に刺激されたフォルムを保ちつつも、手頃な価格で芸術を取り入れることに成功にしたのだ。この芸術はまた数多くのパトロンを持ち、選ばれたブルジョワ階層の間で広がって行った。

　花、草、樹木、昆虫、動物などのモチーフがよく用いられ、これらは住居の中に美を取り入れるのみならず自然界にある美的感覚に気付かせることを可能にした。他方で鋼の使用は建築物の高層化を可能にし、摩天楼を実現するまでに至った。

　アール・ヌーヴォーはパリの無数の建物に影響を与えたのは勿論、ヴァル＝ド＝マルヌやエソンヌやセーヌ＝サン＝ドニといったパリ近郊の古い別荘にも非常に大きな影響を与えている。錬鉄の大胆な使用、煉瓦と陶器による装飾、切妻と時として小塔がこれらの特徴となっている。こうした郊外でフランスの建築家たちは、アカデミズムとは対照的に新しい素材と新しい様式を実験したのである。

　しかしながら、第一次世界大戦を境に、様式化が進みコスト高でもあったアール・ヌーヴォーのデザインは、より工業的な美意識：直線的で流線形を求めたモダニズムのデザインへと変化して行った。これが、アール・デコである（1920-1940）。

 Jazz

Jazz is a music genre that originated from African American communities of New Orleans in the United States during the late 19th and early 20th centuries. Since the 1930s during the jazz age, jazz has become recognized as a major form of musical expression following George Gershwin and other notable composers. It emerged in the form of independent traditional and popular musical styles, all linked by the common bonds of African American and European American musical parentage with a performance orientation. Jazz is characterized by swing and blue notes, call and response vocals, polyrhythms and improvisation. Jazz has roots in West African cultural and musical expression, and in African American music traditions including blues and ragtime, as well as European military band music. Although the foundation of jazz is deeply rooted within the black experience of the United States, different cultures have contributed their own experience and styles to the art form as well. Intellectuals around the world have hailed jazz as "one of America's original art forms".

As jazz spread around the world, it drew on different national, regional, and local musical cultures, which gave rise to many distinctive styles. New Orleans jazz began in the early 1910s, combining earlier brass-band marches, French quadrilles, biguine, ragtime and blues with collective polyphonic improvisation. In the 1930s, heavily arranged dance-oriented swing big bands, Kansas City jazz, a hard-swinging, bluesy, improvisational style and Gypsy jazz (a style that emphasized musette waltzes) were the prominent styles. Bebop emerged in the 1940s, shifting jazz from danceable popular music toward a more challenging "musician's music" which was played at faster tempos and used more chord-based improvisation. Cool jazz developed in the end of the 1940s, introducing calmer, smoother sounds and long, linear melodic lines.

The 1950s saw the emergence of free jazz, which explored playing without regular meter, beat and formal structures, and in the mid-1950s, hard bop emerged, which introduced influences from rhythm and blues, gospel, and blues, especially in the saxophone and piano playing. Modal jazz developed in the late 1950s, using the mode, or musical scale, as the basis of musical structure and improvisation. Jazz-rock fusion appeared in the late 1960s and early 1970s, combining jazz improvisation with rock music's rhythms, electric instruments and the highly amplified stage sound. In the early 1980s, a commercial form of jazz fusion called smooth jazz became successful, garnering significant radio airplay. Other styles and genres abound in the 2000s, such as Latin and Afro-Cuban jazz.

Porgy and Bess is an English-language opera composed in 1934 by George Gershwin, with a libretto written by DuBose Heyward and Ira Gershwin from Heyward's novel Porgy and later play of the same title. Porgy and Bess was first performed in Boston on September 30, 1935, and featured an entire cast of classically trained African-American singers—a daring artistic choice at the time. After suffering from an initially unpopular public reception due in part to its racially charged theme, the Houston Grand Opera production of the opera in 1976 gained it new popularity, eventually becoming one of the best-known and most frequently performed operas.

Gershwin read Porgy in 1926 and proposed that he should collaborate with Heyward on Porgy and Bess. In 1934, Gershwin and Heyward began work on the project by visiting the author's native Charleston. Gershwin explained why he called Porgy and Bess a folk opera in a 1935 New York Times article: "Porgy and Bess is a folk tale. Its people naturally would sing folk music. When I first began work in the music I decided against the use of original folk material because I wanted the music to be all of one piece. Therefore I wrote my own spirituals and folksongs. But they are still folk music – and therefore, being in operatic form, Porgy and Bess becomes a folk opera." The libretto of Porgy and Bess tells the story of Porgy, a disabled street-beggar living in the slums of Charleston, South Carolina. It deals with his attempts to rescue Bess from the clutches of Crown, her violent and possessive lover, and Sportin' Life, her drug dealer. Where the earlier novel and stage-play differ, the opera generally follows the stage-play.

In the years following Gershwin's death, Porgy and Bess was adapted for smaller scale performances and was later adapted into a film in 1959. Some of the songs in the opera, such as "Summertime" became popular and frequently recorded songs. In the late 20th and early 21st centuries, the trend has been towards reproducing a greater fidelity to Gershwin's original intentions although other smaller-scale productions continued to be mounted. A complete version of the score was released in 1976; since then, it has been recorded several times.

In the fall of 1933 Gershwin and Heyward signed a contract with the Theatre Guild to write the opera. In the summer of 1934 Gershwin and Heyward went to Folly Beach, South Carolina, (a small island near Charleston) where Gershwin got a feel for the locale and its music. He worked on the opera there and in New York. Ira Gershwin, in New York, wrote lyrics to some of the opera's classic songs, most notably "It Ain't Necessarily So". Most of the lyrics, including "Summertime", were written by Heyward, who also wrote the libretto.

John Coltrane - A Love Supreme(1964)

A Love Supreme is an album of jazz recorded by the Quartet of John Coltrane on 9 December 1964 in the studio of Rudy Van Gelder in Englewood Cliffs, New Jersey.  The album is a suite in four parts, which correspond to two separate themes: Acknowledgement (which contains the famous mantra that gives its name to the suite), Resolution, Pursuance and Psalm. It was conceived as a spiritual, representative of a personal quest for purity by Coltrane. The final issue relates to the letter of a pious poem included in the presentation of the album notes. 

An alternate version of "Acknowledgement" was recorded the following day. This version included the participation of the SAX tenor Archie Shepp and of the bassist Art Davis. The only interpretation recorded live from the suite Love Supreme, in 1965 in Antibes, France, was also remastered and made in a double disc in 2002 by Impulse! Records along with the disc original and takes additional. 

To Love Supreme is usually considered as one of the discs of jazz more important of the history. In a survey of 2005 of the channel English of television Channel 4 to choose the best discs of the history, reached the since number 82. In another survey (Rolling Stone's list of the 500 greatest albums of all time) came to the since 47 and was recognized as one of the three more important in Rate Your Music's Top Albums of All-time list. The recognizable elements of harmonic freedom disk indicate changes that would produce in the music of Coltrane. 

Will Downing launched a version Rhythm & Blues of the subject main, with the cooperation of the widow of John Alice Coltrane, that reached the number 14 in the UK singles chart in 1988.

Images - Livre I - Hommage à Rameau

Arturo Benedetti Michelangeli

Live recording, London, 13.IV.1982

Debussy： Hommage à Rameau (1904-1905)  

Composée entre 1914 et 1917, donnée en première audition en avril 1919 par Marguerite Long, la suite pour piano Le Tombeau de Couperin comporte six morceaux, Prélude, Fugue, Forlane, Rigaudon, Menuet et Toccata, dédiés à la mémoire d'amis tombés au cours de la Première Guerre mondiale. Ravel orchestra par la suite quatre de ces pièces, entendues pour la première fois sous cette forme en février 1920 et se jouant dans l'ordre suivant : Prélude, Forlane, Menuet et Rigaudon.

Près de 80 ans plus tard, le pianiste et chef d'orchestre hongrois Zoltán Kocsis entreprit d'orchestrer les deux pièces restantes, la Fugue et la Toccata. C'est cette version orchestrale complète qu'on peut entendre ici, interprétée par l'Orchestre Philharmonique National Hongrois dirigé par Zoltán Kocsis (l'image sur la vidéo est une vue partielle d'un dessin de Ravel ornant la partition originale).

Se succèdent ainsi :

 Prélude ("à la mémoire du lieutenant Jacques Charlot");

 Fugue ("à la mémoire du sous-lieutenant Jean Cruppi");

 Forlane ("à la mémoire du lieutenant Gabriel Deluc");

 Rigaudon ("à la mémoire de Pierre et Pascal Gaudin");

 Menuet ("à la mémoire de Jean Dreyfus");

 Toccata ("à la mémoire du capitaine Joseph de Marliave").

Zlotán Kocsis, Júlia Hajnóczy, Hungarian National Philharmonic Orchestra 

印象派を超えて 点描の画家たち

点描（Pointillism）から分割主義（Divisionism）へ

Ravel： Le Tombeau de Couperin （1914-1917）

Composée entre 1914 et 1917, donnée en première audition en avril 1919 par Marguerite Long, la suite pour piano Le Tombeau de Couperin comporte six morceaux, Prélude, Fugue, Forlane, Rigaudon, Menuet et Toccata, dédiés à la mémoire d'amis tombés au cours de la Première Guerre mondiale. Ravel orchestra par la suite quatre de ces pièces, entendues pour la première fois sous cette forme en février 1920 et se jouant dans l'ordre suivant : Prélude, Forlane, Menuet et Rigaudon.

Près de 80 ans plus tard, le pianiste et chef d'orchestre hongrois Zoltán Kocsis entreprit d'orchestrer les deux pièces restantes, la Fugue et la Toccata. C'est cette version orchestrale complète qu'on peut entendre ici, interprétée par l'Orchestre Philharmonique National Hongrois dirigé par Zoltán Kocsis (l'image sur la vidéo est une vue partielle d'un dessin de Ravel ornant la partition originale).

Se succèdent ainsi :

 Prélude ("à la mémoire du lieutenant Jacques Charlot");

 Fugue ("à la mémoire du sous-lieutenant Jean Cruppi");

 Forlane ("à la mémoire du lieutenant Gabriel Deluc");

 Rigaudon ("à la mémoire de Pierre et Pascal Gaudin");

 Menuet ("à la mémoire de Jean Dreyfus");

 Toccata ("à la mémoire du capitaine Joseph de Marliave").

Zlotán Kocsis, Júlia Hajnóczy, Hungarian National Philharmonic Orchestra 

Rachmaninov: Pianoconcerto no.2 op.18

Nordwestdeutsche Philharmonie o.l.v. Martin Panteleev Anna Fedorova, piano

Opgenomen/recorded: Het Zondagochtend Concert, 1 september 2013 in het Koninklijk Concertgebouw, Amsterdam. 

Rachmaninovs Tweede pianoconcert is zijn populairste: het is te horen in vele films en is een mijlpaal in de carriere van alle grote pianisten.

Het Zondagochtend Concert is een concertserie van NPO Radio 4. Kijk voor meer informatie over de reeks op 

科学上の骨董趣味と温故知新

寺田寅彦

　骨董こっとう趣味とは主として古美術品の翫賞がんしょうに関して現われる一種の不純な趣味であって、純粋な芸術的の趣味とは自ずから区別さるべきものである。古画や器物などに「時」の手が加わって一種の「味」が生じる。あるいは時代の匂というようなものが生じる。またその品物の製作者やその時代に関する歴史的聯想も加わる。あるいは昔の所蔵者が有名な人であった場合にはその人に関する聯想が骨董的の価値を高める事もある。あるいはまた単にその物が古いために現今稀有である、類品が少ないという考えに伴う愛着の念が主要な点になる事もある。この趣味に附帯して生ずる不純な趣味としては、かような珍品をどこからか掘出して来て人に誇るという傾向も見受けられる。この点において骨董趣味はまたいわゆる蒐集趣味と共有な点がある。マッチの貼紙や切手を集めあるいはボタンを集め、達磨だるまを集め、甚だしきは蜜柑の皮を蒐集するがごとき、これらは必ずしも時代の新旧とは関係はないが、珍しいものを集めて自ら楽しみ人に誇るという点はやはり骨董趣味と共通である。

　科学者の修得し研究する知識はその本質上別にそれが新しく発見されたか旧くから知られているかによって価値を定むべきものではない。科学上の真理は常に新鮮なるべきもので骨董趣味とは没交渉であるべきように見える。しかし実際は科学上にも一種の骨董趣味は常に存在し常に流行しているのである。

　もし科学上の事実や方則は人間未生以前から存していて、ただ科学者のこれを発見し掘出すのを待っているに過ぎぬと考える者の立場から見れば、このくらい古い物はない道理である。こういう意味からすれば科学者の探求的欲望は骨董狂の掘出し慾と類する点があると云われ得る。しかしまた他の半面の考え方によれば、科学者の知識は「物自身」の知識ではなくて科学者の頭脳から編み上げた製作物とも云われる。そう考えれば科学者の欲求は芸術家の創作的欲望と軌を一にする訳である。しかしこういう根本問題は別としてもまだ種々な科学的骨董趣味が存在するのである。

　一口に科学者とはいうものの、科学者の中には種々の階級がある。科学の区別は別問題として、その人々の科学というものに対する見解やまたこれを修得する目的においても十人十色と云ってよいくらいに多種多様である。実際そのためにおのおの自己の立場から見た科学以外に科学はないと考えるために種々の誤解が生じる場合もある。これらの種類を列挙するのは本文の範囲以外になるから、これは他日に譲るとして、ここには専もっぱら骨董趣味という点から見て二つの極端に位する二種の科学者を対照して見ようと思う。

　科学者の中にはその専修学科の発達の歴史に特別の興味を有もっている人が多数にある。これが一歩進むとその歴史に関したあらゆる記録、古文書、古器物に対して丁度骨董家が有つような愛好の念をもってこれを蒐集する人もある。これは先ず純粋な骨董趣味と名づけ得られるものであろう。また少し種類が違っているが、品物を集めるのではなくて、古い書物や論文を愛読してその中からその価値の如何によらず人のあまり知らぬ研究や事実を掘出して自ら楽しみまた人に示すを喜ぶ趣味もある。これは多くの読書家に通有な事であるが、これも一種の骨董趣味と名づけ得られない事はない。科学の方面で云えば、例えばある方則または事実の発見前幾年に誰が既にこれに類似の事を述べているといったような事を探索して楽しむのである。

　次にもう少し類を異にした骨董趣味がある。一体科学者が自己の研究を発表するに当って、その当面の問題に聯関した先人の研究を引用し批評するのは当然の務めである事は申すまでもない。しかしこれが往々にして骨董的傾向を帯びる事がある。すなわち当面の問題に多少の関係さえあれば、これが如何に目下の研究に縁が遠くまた如何に古くまた無価値ないしは全然間違ったものでも無差別無批評に列挙するという風の傾向を生じる事もある。この傾向は例えばドイツの物理学者などの中にしばしば見受ける所である。別に咎とがむべき事でもないと思うが、とにかく骨董趣味に類した一種の「趣味」と見ても差支えはなかろう。

　これと正反対の極端にある科学者もある。その種類の人には歴史という事は全く無意味である。古い研究などはどうでもよい。最新の知識すなわち真である。これに達した径路は問う所ではないのである。実際科学上の知識を絶対的または究極的なものと信じる立場から見ればこれも当然な事であろう。また応用という点から考えてもそれで十分らしく思われるのである。しかしこの傾向が極端になると、古いものは何物でも無価値と考え、新しきものは無差別に尊重するような傾向を生じやすいのである。

　これほど極端でないまでも、実際科学者としては日進月歩の新知識を修得するだけでもかなりに忙しいので、歴史的の詮索までに手の届かぬのは普通の事である。

　しかし自分の見る所では、科学上の骨董趣味はそれほど軽視すべきものではない。この世に全く新しき何物も存在せぬという古人の言葉は科学に対しても必ずしも無意義ではない。科学上の新知識、新事実、新学説といえども突然天外から落下するようなものではない。よくよく詮議すればどこかにその因よって来るべき因縁系統がある。例えば現代の分子説や開闢説かいびゃくせつでも古い形而上学者の頭の中に彷徨ほうこうしていた幻像に脈絡を通じている。ガス分子論の胚子はルクレチウスの夢みた所である。ニュートンの微粒子説は倒れたが、これに代るべき微粒子輻射ふくしゃは近代に生れ出た。破天荒と考えられる素量説のごときも二十世紀の特産物ではないようである。エピナスの古い考えはケルビン、タムソンの原子説を産んだ。デカルトの荒唐な仮説は渦動分子説の因をなしているとも見られる。植物学者ブラウンの物好きな研究はいったん世に忘れられたが、近年に到って分子説の有力な証拠として再び花が咲いたのである。実用方面でも幾多の類例がある。ガリレーの空気寒暖計は発明後間もなく棄てられたが、今日の標準はまた昔のガス寒暖計に逆戻りした。シーメンスが提出した白金抵抗寒暖計はいったん放棄されて、二十年後にカレンダー、グリフィスの手によって復活した。このような類例を探せばまだいくらでもあるだろう。新しい芸術的革命運動の影には却って古い芸術の復活が随伴するように、新しい科学が昔の研究に暗示を得る場合は甚だ多いようである。これに反して新しい方面のみの追究は却って陳腐を意味するようなパラドックスもないではない。かくのごとくにして科学の進歩は往々にして遅滞する。そしてこれに新しき衝動を与えるものは往々にして古き考えの余燼よじんから産れ出るのである。

　現今大戦の影響であらゆる科学は応用の方面に徴発されている。応用方面の刺戟で科学の進歩する事は日常の事であるから、このために科学が各方面に進歩する事は疑いを容れない。これは誠に喜ぶべき事である。しかしその半面の随伴現象としていわゆる骨董趣味を邪道視し極端に排斥し、ついには巧利を度外視した純知識慾に基づく科学的研究を軽んずるような事があってはならぬと思う。直接の応用は眼前の知識の範囲を出づる事は出来ない。従ってこれには一定の限界がある。予想外の応用が意外な閑人的学究の骨董的探求から産出する事は珍しくない。自分は繰返して云いたい。新しい事はやがて古い事である。古い事はやがて新しい事である。

　温故知新という事は科学上にも意義ある言葉である。また現代世界の科学界に対する一服の緩和剤としてこれを薦すすめるのもあながち無用の業ではないのである。

1919年(大正八年)一月『理学界』より

 Boléro 『ボレロ』は、フランスの作曲家モーリス・ラヴェルが1928年に作曲したバレエ音楽。同一のリズムが保持されるなかで2種類のメロディーが繰り返されるという特徴的な構成を有しており、現代でもバレエの世界に留まらず広く愛される音楽の一つ。日本の作曲家に大きな影響を及ぼし、とくに映画音楽の先端に刺激を与えました。

早坂文雄　作曲『羅生門』テーマ曲

伊福部昭　作曲『ゴジラ』テーマ曲（1954年）